“On the Deceleration of the Moment – The Emotional Possibility Spaces of Christian Bazant-Hegemark”, by Günther Oberhollenzer (2021)

Andrea Kopranovic wrote the following text for my 2021 exhibition “Trauma” at Museum Angerlehner. It was published in my book “Trauma”, alongside texts by Andrea Kopranovic and Jaqueline Scheiber.

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On the Deceleration of the Moment - The Emotional Possibility Spaces of Christian Bazant-Hegemark, Günther Oberhollenzer, 2021

“It’s not a movie, there’s no script, no conflict and no resolution.”
Tim Eitel, artist[1]



How does painting position itself in a world where the role of the image has fundamentally changed? For a long time, painting has had a monopoly on the large, colorful, impactful image. Then it was replaced by photography as the new leading image medium. Nevertheless, painting remained the undisputed main medium of art until well into the 20th century. In recent decades, however, this has changed – permanently. The perception of the world has become multi-medial – just as in art. Is painting, or even drawing, still relevant in our multi-medial present? As a viewer of Christian Bazant-Hegemark’s works, I have the impression that this common question resonates in his work artistically, but isn’t ultimately all that important. The artist does not want to justify himself for his inherently traditional medium, the painted picture does not have to prove that it can still keep up with the needs and demands of our time. His art has something natural and unconstrained; it does not want to please or superficially suggest meaning or topicality. The paintings and drawings are simply there and do not pander, nor do they want to follow a certain Zeitgeist or trend. And yet in their content and formal orientation they are only possible today, in this here and now.


According to Robert Fleck, we are living in an epoch of profound upheaval in the visual arts, in which the ideas, the rules anchored in people’s minds, and the formal language of 20th-century classical modernism and its successor movements for the first time no longer pose a problem – after decades of working through them. At the same time, according to Fleck, many new things have been attempted, tried out, successively put into place, and also enforced, especially in recent painting, so that today one can speak of a new pictorial space and the outlines of a new paradigm in painting. This can be seen in particular in a dialogue between the second and third dimensions, accompanied by the dissolution of the two-dimensional pictorial structure and a breathing and pulsating, or – as Fleck calls it – a “floating” of the pictorial space. Might he also have had works like Bazant-Hegemark’s in mind?[2]



We see before us contemporary themes, personal experiences of Bazant-Hegemark, but also socio-political reflections, small sketches and large panoramas, inconspicuous observations and sweeping narratives. People and their stories from the artist’s immediate environment appear as well as fragmented media images transformed into painting and drawing, for example of the “Black Lives Matter” protests in the USA. Some we can easily recognize and decipher, others we can only assume, but much remains deliberately ambiguous and allows for multiple interpretations. The artist is aware of and quotes unobtrusively discreetly from the rich fund of art history: the poses and gestures charged with pathos suggest the Christian Western pictorial tradition, the geometrically abstracted body shapes and objects recall Cubism, while the sensual leaf ornaments, as they playfully entwine around figures, are reminiscent of Art Nouveau. On a delicate painterly background, Bazant-Hegemark composes elaborate world designs and small-scale pictorial stories with clear lines and surfaces, with vegetative ornaments and human bodies, at the same time questioning these self-created systems of order and breaking them up again and again. People and animals, plants and objects lose their self-contained entity; splintered and distorted, broken down into fragments or composed of them, they are subjected to a constant process of transformation, and follow a sense of space and time defined by the artist. A pleasurable game ensues with the dialectic of abstract, geometric signs and soft, figurative forms.


The bird – realistically rendered or also as an origami figure – on the ground, in a hand or in the air; the angelic wings as a symbolic accessory; the hanging, floating, falling people or also introverted, resting, in charisma and dignity like images of saints: many motifs seem both familiar and strange to us at the same time. Bazant-Hegemark repeatedly draws inspiration from his immediate surroundings, making everyday scenes seem special: a man sitting in a kitchen, a woman nursing her child, a hand stroking a piano. The small, intimate studies are also haunting: a quickly sketched nude, a woman sleeping, a child reading. And yet, these images also exude a certain unreal mood, which probably arises from the fact that we viewers are presented with what are in themselves ordinary situations, yet with a very high level of concentration and intensity.



These are contemporary techniques that are closely interwoven with the artist’s biography. Bazant-Hegemark is a trained computer scientist and worked as a video game programmer before studying art. In addition to numerous “traditionally” painted pictures, he has been using so-called “drawing machines” for some of his works since 2015. The basis for this is “a software I developed that can, among other things, scan photos for their edges and convert them into vectors,” says the artist. For Bazant-Hegemark, the algorithms used and their result, the abstraction of image content, are an expanded form of personal expression. That an artist resorts to digital support in his creative work is not necessarily something out of the ordinary in our multi-medial present, but that he programs himself and thus retains supremacy and creative influence over his technical tools, is rare.


Through digital manipulation, the (photographic) source motif is abstracted and transformed into a new, artificial image before it is then, after the transfer process to paper, further processed by the artist – with ink. This multi-stage transformation, the resulting modifications and distortions, but also accentuations and clarifications relativize the meaning of what is specifically represented, with which the image would be charged if it were clearly recognizable and unambiguously visually readable. Even if real people and objects serve the artist as models and inspiration, even if real stories and events are the initial inspiration: in the picture now before us, after a process of elimination, everything superfluous is removed, until nothing takes focus away from the actual motif, until no more details refer to specific places, and the personal opens up to generality. The focus of perception and gaze is placed on the essence of the figure or object. Or in the words of Tim Eitel: “I don’t see that I, as an artist, find banal things in everyday life and then give them meaning through my attention,” says the German painter. “Basically, the meaning is already there: a special moment in which my little gesture or an object […] points beyond itself. And the difficulty is to reconstruct it anew, later in the studio, with the bulky means of painting.”[3]


Once again, back to the “drawing machines”: in the analog drawing-painting process, Bazant-Hegemark intervenes in the composition with relish; he intensifies or obscures, adds to or paints over. He both actively composes and reacts to the unfolding image, resulting in blurred boundaries between analog and digital. “The hardware and algorithms I use to put digital data on paper are sloppy and flawed, they can’t even manage to draw a straight line,” the artist says with a wink. “Together, this software, the drawing machines and I are a kind of triumvirate of inaccuracies. If my writing and sketches allow me personal expression, in the context of the drawing machine, that’s also true of the algorithms I’ve written to go with them.” Error and the non-perfection as part of the artistic concept – what a beautiful thought!



“Waiting is a state of eternal becoming – you can’t know when it will be over,” says Bazant-Hegemark in an interview created as part of a television feature about art in times of standstill and stagnation[4].  The artist created a series of large-scale drawings titled “Waiting” (2019) shortly before the first Corona Lockdown. Intimate and theatrical at the same time, he shows people who, thrown back on themselves, remain in an indefinite state of waiting. An introspective pause and persistence within the self, beautiful and painful at the same time. And almost visionary.


Many works deal with existence as something being thrown into the world, with loneliness and lack of communication, with the introverted, sunken human being. Do they harbor the titular trauma? Do we see before us the art of a suffering, traumatized artist who knows how to express himself through his works in the sense of self-therapy? An artist who lets us participate in his tortured soul, so that he – and perhaps we too – may recover from it? Bazant-Hegemark does not want to serve this frequently used cliché. It would be restrictive for his artistic work and detrimental to the resulting works to directly depict his own terrors. And yet art can and may also emerge from trauma. A contradiction? Not necessarily. “These are not images of my traumas” emphasizes the artist, “but the work is almost always about them. They are their substrate.” The works cannot be seen in isolation from the person Bazant-Hegemark – they are, after all, “the consequence of an attitude to life that has also been strongly consolidated by fears.” The artist aptly speaks of his paintings as “witnesses” that do not directly depict trauma, but indirectly refer to aspects of the subconscious. These always remain unclear or “dim” and allow for multiple interpretations, so that we viewers are never sure how things really are.


The exhibition doesn’t offer expected artistic counterparts of trauma: we don’t see paintings in somber grays, people huddled together, crouching in the dark, with tortured, pain-distorted faces. Such striking stylistic devices hardly correspond to the suffering located in the unconscious – or even counteract it. When Bazant-Hegemark treats psychological states in his works, it is not done superficially – and always with the knowledge that these are challenging to describe, and can only be represented to a limited extent by drawing or painting[5].  “The truth of a person is not only reflected in his surface,” says the artist. “The introspective gaze of the sitter points to an inner communication that we viewers cannot listen to.” His paintings go beyond the visible surface; with sensitivity and subtle composition, he succeeds in creating works that make the mental shock of his protagonists tangible – without betraying or exposing them.


“The basic character of painting, to which I have devoted myself, is that one pronounces or imposes a spell on a certain situation,” emphasizes German painter Neo Rauch. “That is, I bring to rest a situation that may be unpleasant or threatening by its characteristics. […] This is the enormous potential of painting, that I can paint something evil or something sick by producing a highly vital piece of painting. Painting triumphs over that to which it turns.”[6] Bazant-Hegemark brings together works under the title “Trauma” without overtly showing it. Successful art is never mere illustration. It is far more than that.


Thus we, the viewers, take part in delicate, often peculiar, but never arbitrary or boring worlds that impress us with their technical skill and fascinate us with their wealth of ideas, a pictorial cosmos in which people are connected to each other through geometric lines and ornamental patterns and yet remain alone; in which the protagonists seldom do anything and in a state of pause do not ostensibly interact with us, and yet (or precisely because of this) captivate us with their ambiguity and mysteriousness, in which the stilling of a moment, a story, or an event brings about a palpable deceleration that, in the best case, spills over to us viewers as well. According to Bazant-Hegemark, his works are “emotional possibility spaces” that aim to “touch us individually.” Well said, because especially in the age of the abundance of digital image reproduction, painting offers alternative spaces of possibility to approach the complexity of our world. The painter shows us his autonomous, reflexive standpoint in the midst of the often anonymous arbitrariness and interchangeability of media images, from which he perceives and locates himself as a subject. If we allow ourselves to enter his world, we will be richly rewarded.



Unless otherwise noted, quotes by Christian Bazant-Hegemark are taken from conversations with the author, and from personal texts by the artist.

[1] This is how Tim Eitel characterizes his painting, but this quotation also seems fitting to describe the art of Christian Bazant-Hegemark. “Tim Eitel in conversation with Günther Oberhollenzer“, in: “Tim Eitel: Besucher“, catalog for the exhibition of the same name at the Essl Museum, Klosterneuburg / Wien 2013, page 10

[2] Robert Fleck, “Die Ablösung vom 20. Jahrhundert. Malerei der Gegenwart“, Passagen Verlag, Wien 2013, pages 18f, 23-27. Fleck cites the works of Georg Baselitz and Peter Doig, as examples of “floating” pictorial spaces

[3] Ibid, page 10

[4] Christian Bazant-Hegemark, cited according to the report of Markus Greussing, “Warten – Eine verlernte Kunst”, report for “Kulturmontag” in ORF2, first broadcast on May 25, 2020

[5] To subsume the works under the title “Trauma” didn’t stand at the beginning of the artistic process, but at its end, when an exhibition title was needed for the selection of works that had been made

[6] Neo Rauch, quoted after: “Rosa Loy and Neo Rauch in conversation with Günther Oberhollenzer”, in: “Rosa Loy & Neo Rauch: Hinter den Gärten“, catalog for the exhibition of the same name at the Essl Museum Klosterneuburg / Wien, Prestel Verlag, München 2011, page 190

Von der Entschleunigung des Moments - Die emotionalen Möglichkeitsräume von Christian Bazant-Hegemark, Günther Oberhollenzer (2021)

„Es ist kein Film, es gibt kein Drehbuch, keinen Konflikt und keine Auflösung.“
Tim Eitel [1]



Wie positioniert sich die Malerei in einer Welt, in der sich die Rolle des Bildes grundlegend gewandelt hat? Lange Zeit hatte die Malerei das Monopol auf das große, farbige und wirkungsmächtige Bild. Dann wurde sie von der Fotografie als neuem Leitmedium des Bildes abgelöst. Dennoch blieb die Malerei bis weit in das 20. Jahrhundert das unumstrittene Hauptmedium der Kunst. In den letzten Jahrzehnten hat sich das aber nachhaltig verändert. Die Wahrnehmung der Welt ist multimedial geworden. Auch in der Kunst. Ist die Malerei oder auch die Zeichnung in unserer heutigen multimedialen Gegenwart noch zeitgemäß? Als Betrachter der Arbeiten von Christian Bazant-Hegemark habe ich zwar den Eindruck, dass diese gern gestellte Frage in seinen künstlerischen Bildwelten mitschwingt, ihr letztendlich aber keine allzu große Bedeutung zukommt. Der Künstler will sich nicht für sein an sich traditionelles Medium rechtfertigen, das gemalte Bild muss nicht beweisen, dass es noch mithalten kann mit den Bedürfnissen und Anforderungen unserer Zeit. Seine Kunst hat etwas Selbstverständliches und Ungezwungenes, will nicht gefallen oder vordergründig Bedeutung oder Aktualität suggerieren. Die Malereien und Zeichnungen sind einfach da und biedern sich nicht an, möchten nicht einem bestimmten Zeitgeist oder Trend Folge leisten. Und doch sind sie in ihrer inhaltlichen wie formalen Ausrichtung nur heute, in diesem Hier und Jetzt, so möglich.

Nach Robert Fleck leben wir in einer Epoche tiefen Umbruchs in der bildenden Kunst, in der die Vorschreibungen, die in den Köpfen verankerten Regeln und die Formensprache der klassischen Moderne des 20. Jahrhunderts und ihrer Nachfolgebewegungen nach Jahrzehnten ihrer Abarbeitung zum ersten Mal kein Problem mehr darstellen. Gleichzeitig würden, so Fleck weiter, gerade in der Malerei der letzten Zeit derart viele neue Dinge versucht, erprobt, sukzessive in Stellung gebracht und auch durchgesetzt, dass man heute von einem neuen Bildraum und den Umrissen eines neuen Paradigmas in der Malerei sprechen könne. Dies zeige sich insbesondere in einem Zwiegespräch zwischen der zweiten und dritten Dimension, einhergehend mit der Auflösung der zweidimensionalen Bildstruktur und einem Atmen und Pulsieren, oder – wie Fleck es nennt – einem „Floaten“ des Bildraums. Ob er hier auch Werke wie jene von Bazant-Hegemerk im Sinn hatte?[2]


Es sind Themen der Gegenwart, die wir vor uns sehen, persönliche Erfahrungen von Bazant-Hegemark, aber auch gesellschaftspolitische Reflexionen, kleine Skizzen und große Panoramen, unscheinbare Beobachtungen und ausladende Erzählungen. Menschen und ihre Geschichten aus dem unmittelbaren Umfeld des Künstlers tauchen ebenso auf wie in Malerei und Zeichnung transformierte, fragmentierte Medienbilder, etwa der „Black Lives Matter“-Proteste in den USA. Manches können wir leicht erkennen und entschlüsseln, anderes nur vermuten, vieles aber bleibt bewusst im Uneindeutigen und lässt vielfältige Interpretationen zu. Der Künstler kennt und zitiert unaufdringlich aus dem reichen Fundus der Kunstgeschichte, die mit Pathos aufgeladenen Posen und Gesten lassen an die christlich-westliche Bildtradition denken, die geometrisch abstrahierten Körperformen und Gegenstände erinnern an den Kubismus, die sinnlichen Blattornamente, wie sie sich verspielt um Figuren ranken, an den Jugendstil. Auf einem zarten malerischen Hintergrund komponiert Bazant-Hegemark mit klaren Linien und Flächen, mit vegetativen Verzierungen und menschlichen Körpern aufwändige Weltentwürfe und kleinteilige Bildgeschichten, um zugleich diese selbst geschaffenen Ordnungssysteme zu hinterfragen und immer wieder neu aufzubrechen. Menschen und Tiere, Pflanzen und Objekte verlieren ihre in sich geschlossene Entität. Aufgesplittert und verzerrt, in Fragmente zerlegt oder aus ihnen zusammengesetzt, sind sie einem ständigen Transformationsprozess unterworfen und folgen einem vom Künstler definierten Raum- und Zeitgefühl. Ein lustvolles Spiel auch mit der Dialektik von abstrakten, geometrischen Zeichen und weichen figurativen Formen.

Der Vogel – realistisch wiedergegeben oder auch als Origamifigur – auf der Erde, in der Hand oder in der Luft, die engelsgleichen Flügel als symbolträchtiges Accessoire, die hängenden, schwebenden, fallenden Menschen oder auch in sich gekehrt, ruhend, in Ausstrahlung und Würde gleich Heiligenbildern: Viele Motive erscheinen uns vertraut und fremd zugleich. Bazant-Hegermark lässt sich auch immer wieder von seiner unmittelbaren Umgebung inspirieren und alltägliche Szenen als besonders erscheinen: Ein Mann sitzt in der Küche, eine Frau stillt ihr Kind, eine Hand streicht über ein Klavier. Eindringlich sind auch die kleinen, intimen Studien: ein schnell skizzierter Akt, eine schlafende Frau, ein lesendes Kind. Und doch, auch diese Bilder verströmen eine gewisse irreale Stimmung, die wohl dadurch entsteht, dass uns Betrachter*innen die an sich gewöhnlichen Situationen mit sehr hoher Konzentration und Intensität dargeboten werden.


Es sind Techniken der Gegenwart, die mit der Biografie des Künstlers eng verwoben sind. Bazant-Hegemark ist ausgebildeter Informatiker und hat als Videospielprogrammierer gearbeitet, bevor er Kunst studierte. Neben zahlreichen „traditionell“ gemalten Bildern benützt er seit 2015 für einige seiner Werke sogenannte Zeichenmaschinen. Basis hierfür ist „eine Software, die ich entwickelt habe und die unter anderem Fotos auf ihre Kanten abtasten und in Vektoren umwandeln kann“, so der Künstler. Die zur Anwendung kommenden Algorithmen und ihr Resultat, die Abstraktion von Bildinhalten, sind für Bazant-Hegemark eine erweiterte Form des persönlichen Ausdrucks. Dass ein Künstler in seiner kreativen Arbeit auf digitale Unterstützung zurückgreift, ist in unserer multimedialen Gegenwart nicht unbedingt etwas Außergewöhnliches, wohl aber, dass er selbst programmiert und somit die Oberhoheit und den kreativen Einfluss über seine technischen Hilfsmittel behält.

Durch die digitale Manipulation wird das (fotografische) Ausgangsmotiv abstrahiert und in ein neues, artifizielles Bild überführt, bevor es dann, nach dem Übertragungsprozess auf das Papier, vom Künstler mit Tusche weiter bearbeitet wird. Diese mehrstufige Transformation, die dadurch verursachten Verfremdungen und Verzerrungen, aber auch Akzentuierungen und Präzisierungen, relativieren die Bedeutung des konkret Dargestellten, mit dem das Bild bei klarer Erkennbarkeit und eindeutiger Zuordenbarkeit aufgeladen wäre. Auch wenn reale Menschen und Objekte dem Künstler als Vorbild und Inspiration dienen, auch wenn damit verknüpfte reale Geschichten und Begebenheiten am Anfang Pate stehen – in dem vor uns zu sehenden Bild wird, einem Eliminierungsprozess gleich, alles Überflüssige entfernt, bis nichts mehr die Konzentration vom eigentlichen Motiv nimmt, bis keine Details mehr auf spezifische Orte verweisen und sich das Persönliche zur Allgemeingültigkeit öffnet. Der Fokus von Wahrnehmung und Blick wird auf die Essenz der Figur bzw. des Gegenstandes gelegt. Oder mit den Worten von Tim Eitel: „Ich sehe es nicht so, dass ich als Künstler im Alltag banale Dinge auffinde und ihnen dann durch meine Beachtung Bedeutung verleihe […]. Im Grunde ist die Bedeutung schon da: ein besonderer Moment, in dem meine kleine Geste oder ein Gegenstand […] über sich hinausweisen. Und die Schwierigkeit ist, sie später im Atelier mit dem sperrigen Mittel Malerei neu zu rekonsturieren.“[3]

Noch einmal zurück zu den „Zeichenmaschinen“: Im analog zeichnerisch-malerischen Prozess greift Bazant-Hegemark lustvoll in die Komposition ein, er verstärkt oder verunklärt, ergänzt oder übermalt. Es ist ein Arbeiten zwischen aktiv komponieren und auf das Bild reagieren, die Grenzen zwischen analog und digital verschwimmen. „Die Hardware und die Algorithmen, die ich nutze, um digitale Daten zu Papier zu bringen, sind schlampig und fehlerhaft, sie schaffen es noch nicht einmal, eine gerade Linie zu zeichnen“, erzählt der Künstler mit einem Augenzwinkern. „Gemeinsam sind diese Software, die Zeichenmaschinen und ich eine Art Triumvirat der Ungenauigkeiten. Wenn meine Schrift und Skizzen mir persönlichen Ausdruck ermöglichen, trifft das im Kontext der Zeichenmaschine auch auf die Algorithmen zu, die ich dazu geschrieben habe.“ Der Fehler und die Nichtperfektion als Teil des künstlerischen Konzepts – welch ein schöner Gedanke!


„Das Warten ist ein Zustand ewigen Werdens, man kann nicht wissen, wann es vorbei ist“, sagt Bazant-Hegemark in einem Interview, das im Rahmen eines Fernsehbeitrags über Kunst in Zeiten des Stillstands entstanden ist.[4] Der Künstler hat kurz vor dem ersten Corona-Lockdown eine Serie an großformatigen Zeichnungen mit dem Titel „Waiting“ (2019) geschaffen. Intim und theatralisch zugleich zeigt er Menschen, die, auf sich selbst zurückgeworfen, in einem unbestimmten Wartezustand verharren. Ein in sich gekehrtes Innehalten und Verharren im Selbst, schön und schmerzlich zugleich. Und beinahe visionär.

Viele Werke verhandeln die in die Welt geworfene Existenz, die Einsamkeit und Kommunikationslosigkeit, den in sich gekehrten, versunkenen Menschen. Ist in ihnen das titelgebende „Trauma“ zu finden? Sehen wir vor uns die Kunst eines leidenden, traumatisierten Künstlers, der sich über seine Werke im Sinne einer Selbsttherapie auszudrücken versteht? Ein Künstler, der uns an seiner gequälten Seele teilhaben lässt, sodass er – wie vielleicht auch wir – daran genesen mögen? Dieses gern strapazierte Klischee möchte Bazant-Hegemark nicht bedienen. Für seine künstlerische Arbeit wäre es einengend und für die so entstehenden Werke abträglich, unmittelbar eigene Schrecknisse zu bebildern. Und doch kann und darf Kunst auch aus dem Trauma heraus entstehen. Ein Widerspruch? Nicht unbedingt. „Es sind keine Abbildungen meiner Traumata“, betont der Künstler, „aber es geht fast immer um sie. Sie sind das Substrat“. Die Werke können nicht losgelöst vom Menschen Bazant-Hegemark gesehen werden, sind sie doch „die Konsequenz einer Lebenshaltung, die sich auch stark durch solche Schrecken gefestigt hat“. Der Künstler spricht treffend von seinen Bildern als „Zeugen“, die Traumatisches nicht direkt abbilden, aber indirekt auf Aspekte des Unterbewusstseins verweisen. Diese bleiben stets unklar oder „schummrig“ und lassen vielfältige Interpretationen zu, sodass wir Betrachtenden uns nie sicher sein können, wie die Dinge wirklich sind.

Die Ausstellung bedient auch nicht erwartbare künstlerische Entsprechungen von Traumata: Wir sehen keine Malereien in düster grauem Farbenklang, keine zusammengekauerten, im Dunkel hockenden Menschen, keine gequälten, schmerzverzerrten Gesichter. Derart plakative Stilmittel entsprechen kaum dem im Unbewussten angesiedelten Leiden oder konterkarieren dieses sogar. Wenn Bazant-Hegemark in seinen Werken psychologische Zustände behandelt, dann passiert das nicht vordergründig und stets mit dem Wissen, dass diese nur schwer beschreibbar, durch Zeichnung oder Malerei nur bedingt darstellbar sind.[5] „Die Wahrheit einer Person bildet sich nicht nur in ihrer Oberfläche ab“, so der Künstler. „Der introspektive Blick der Dargestellten verweist auf eine innere Kommunikation, der wir Betrachtenden nicht zuhören können.“ Seine Bilder gehen über die sichtbare Oberfläche hinaus, mit Feingefühl und subtiler Komposition gelingt es ihm, Werke zu erschaffen, die die seelische Erschütterung seiner Protagonist*innen spürbar macht – ohne sie zu verraten oder bloßzustellen.

„Der Grundcharakter des Malens, dem ich mich verschrieben habe, besteht darin, dass man über eine bestimmte Situation einen Bann ausspricht oder verhängt“, betont der deutsche Maler Neo Rauch. „Das heißt, ich bringe eine Situation zur Ruhe, die unter Umständen von ihrer Charakteristik her unangenehm oder bedrohlich sein kann. […] Das ist das enorme Potenzial der Malerei, dass ich etwas Böses oder etwas Krankes malen kann, indem ich ein hochvitales Stück Malerei produziere. Die Malerei triumphiert über das, dem sie sich zuwendet.“[6] Bazant-Hegemark vereint Werke unter dem Titel „Trauma“, ohne dieses offen zu zeigen. Gelungene Kunst ist nie reine Illustration. Sie ist weit mehr als das.

So nehmen wir Betrachter*innen teil an filigranen, oft sonderlichen, aber niemals beliebigen oder langweiligen Weltenwürfen, die ob des technischen Könnens beeindrucken und des inhaltlichen Ideenreichtums faszinieren – ein bildnerischer Kosmos, in dem Menschen durch geometrische Linien und ornamentale Muster miteinander verbunden sind und doch für sich alleine bleiben, in dem die Protagonist*innen selten etwas tun und in einem Zustand des Verharrens nicht vordergründig mit uns interagieren und dennoch (oder gerade deshalb) durch Uneindeutigkeit und Rätselhaftigkeit fesseln, in dem durch die Stilllegung eines Moments, einer Geschichte oder Begebenheit eine fühlbare Entschleunigung eintritt, die im besten Fall auch auf uns Betrachtende überspringt. Seine Werke seien „emotionale Möglichkeitsräume“, so Bazant-Hegemark, die darauf abzielen, „individuell zu berühren“. Schön gesagt, denn gerade im Zeitalter des Überflusses digitaler Bildreproduktion bietet die Malerei alternative Möglichkeitsräume an, um sich der Komplexität unserer Welt anzunähern. Der Maler zeigt uns seinen autonomen, reflexiven Standpunkt inmitten der oft anonymen Beliebigkeit und Austauschbarkeit medialer Bilder, von dem aus sich dieser als Subjekt wahrnimmt und verortet. Lassen wir uns auf seine Welt ein, werden wir reich belohnt.


Falls nicht anders angegeben, stammen die Zitate von Christian Bazant-Hegemark aus Gesprächen mit dem Autor und persönlichen Texten des Künstlers.

[1] So charakterisiert Tim Eitel seine Malerei. Mir scheint dieses Zitat aber auch passend zu sein, um die Kunst von Christian Bazant-Hegemark zu beschreiben. Tim Eitel im Gespräch mit Günther Oberhollenzer, in: „Tim Eitel: Besucher“, Katalog zur gleichnamigen Ausstellung im Essl Museum, Klosterneuburg / Wien 2013, Seite 10

[2] Robert Fleck, „Die Ablösung vom 20. Jahrhundert. Malerei der Gegenwart“, Passagen Verlag, Wien 2013, Seiten18f., 23–27. Fleck nennt als Beispiele für das „Floaten“ des Bildraums u.a. Georg Baselitz und Peter Doig.

[3] Ebenda, Seite 10

[4] Christian Bazant-Hegemark, zit. nach einem Bericht von Markus Greussing, „Warten – eine verlernte Kunst“, Reportage für den „Kulturmontag“ im ORF2, Erstausstrahlung am 25.05.2020

[5] Die Arbeiten unter dem Titel „Trauma“ zu subsumieren stand auch nicht am Anfang des künstlerischen Prozesses, sondern an dessen Ende, als es darum ging, für die getroffene Werkauswahl einen Ausstellungstitel zu finden.

[6] Neo Rauch, zit. nach: Rosa Loy und Neo Rauch im Gespräch mit Günther Oberhollenzer, in: „Rosa Loy & Neo Rauch: Hinter den Gärten“, Katalog zur gleichnamigen Ausstellung im Essl Museum Klosterneuburg / Wien, Prestel Verlag, München 2011, Seite 190